LA AUTO-DEFINICIÓN FOTOGRÁFICA

EJERCICIO:

Coge varios objetos tuyos, objetos con los que te identifiques, objetos que representen tu personalidad, y simplemente haz una foto de todos ellos juntos colocados con un poco de gracia. ¿Te suena aquello de "una imagen vale más que mil palabras?"

EL CARRETE OMINOSO. EL UNHEIMLICHE DEL HOGAR.

Cualquier persona con un poco de tacto y conocimiento podrá hablarte de la estética de lo bello, bueno, ¿qué es lo bello?- en todo caso no lo responderemos aquí, eso sería otro post a parte-. Existe una idea estándar de lo bello, una idea generalizada, canonizada pero que no por eso debe ser cierta, pero como he dicho antes, eso sería otro post. En todo caso, ¿cuánta gente puede o quiere hablarte de lo ominoso? ¿qué es lo ominoso? ¿por qué atrae la atención de unos y no la de otros, o la de todos? - bueno, esta última es una pregunta sociológica sobre el gusto que ahora no puedo responder.-

Esto es porque la estética mayoritariamente se interesa por lo bello y lo atractivo en lugar de lo repulsivo y lo ajeno. Este ámbito es el de lo ominoso, que pertenece al orden de lo terrorífico y lo causante de la angustia y el terror.

Freud define a lo ominoso como aquella variedad de lo terrorífico que se remonta a lo antiguo y familiar. ¿Cómo es posible que lo familiar devenga ominoso?

Sin embargo, no quiero que este post derive en hablar sobre "El hombre de arena" de Hoffmann, ni sobre psicología, ni el doble, ni lo sublime, ni tan siquiera el propio libro de Freud. Quiero explorarlo de otra manera, tras otra mirada, y dándole la vuelta a la tortilla en mi propia casa en soledad.

EJERCICIO:

Coge la cámara y respira hondo. Apaga las luces de tu interior, escucha el silencio, mira a tu alrededor y observa lo que ves. Estás rodeado de cotidianidad en tu hogar, pero siéntete extraño, siéntete ajeno a la casa. Fotografía cualquier esquina, pared, ventana o rincón que te parezca curioso, extraño, desconocido. Retoca las fotos con un aura de misterio, de unheimliche, y búscate posteriormente en ellas, reconócete en lo ominoso de tu hogar.

20-N

Poeta clásico

STEPHEN SHORE Y SERVIDORA. La inspiración que me proporcionó Uncommon Places para Desert Paradise

Recuerdo que la primera vez que me hablaron de Stephen Shore fue en clase de Postmodernidad en 4º año de carrera. Su fotografía tenía un algo que golpeaba en mi alma como un martillo. Aquello me tocaba fondo y sólo yo sabía porqué, al igual que sabía que no todos los alumnos estaban sintiendo lo mismo. Cada uno ve un mundo cuando mira una fotografía. Shore tenía parte de mi mundo, y yo lo expresaría un tiempo después.

-------------------------------------------------------
Este texto informativo sobre Shore pertenece a:
http://doingmyway.blogspot.com/2011/01/stephen-shore-uncommon-places.html

Fotógrafo autodidacta, influenciado profundamente por el libro American Photographs de Walker Evans, Stephen Shore decidió a la temprana edad de 14 años ponerse en contacto con Edward Steichen, el entonces encargado de la sección fotográfica del MoMA, para presentarle parte de su trabajo.

Steichen se llevó tan buena impresión que decidió comprarle tres obras, plantando a Shore en medio del panorama artístico y creativo del Nueva York de comienzo de los años 60.

A los 17, como amigo y colaborador de Andy Warhol, se paseaba a diario por The Factory, tomando instantáneas de todo lo que se cocía por allí.

En 1971, a sus 24 años, Stephen Shore disfrutaba ya del reconocimiento público que le otorgaba el haber exhibido en solitario en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.

Un año más tarde, en 1972, Shore se dió cuenta de que toda su vida había transcurrido en un escaso radio de varios kilómetros alrededor de la Gran Manzana, así que con la intención de descubrir el país, decidió emprender junto con un amigo suyo un viaje desde Manhattan hasta Amarillo, Texas.

Tal fué el shock que se llevó durante ese viaje, que nada más finalizarlo se embarcó en otro, ésta vez en solitario con la única compañía de su Rollei de 35mm.
Shore tomó fotos de todo lo que se encontraba a su paso, cada paisaje que captaba su atención, cada edificio, cada camarera que le atendía, cada habitación de hotel...

A su regreso, con los cientos de fotografías registradas, exhibió y publicó su trabajo American Surfaces que tuvo una acogida bastante pobre, debido en parte a la incompresión del mensaje que Shore quería mostrar, y a la poca calidad de las impresiones obtenidas de los pequeños rollos de 35mm.

Decepcionado, comprendió que la única manera de poder plasmar la auténtica visión de sus viajes era empleando un equipo que produjera resultados de mayor calidad, ésta vez llevando consigo una cámara de gran formato.
Shore se embarcó en una serie de viajes a lo largo y ancho del continente americano desde el año 1973 hasta el 1981.
El hecho de llevar encima una cámara de gran formato y el coste de cada placa fotográfica le obligaron a trabajar con otra filosofía, teniendo que tomarse mucho más tiempo en cada parada para montar el equipo, siendo más selectivo, viendo con más profundidad, desarrollando minuciosamente cada composición.

En 1982 se publicaba Uncommon Places y nacía un clásico. El impacto fue brutal, creando el libro más copiado, venerado y reconocido como influencia directa de la mayoría de fotógrafos de los últimos 30 años.
Con éste trabajo establecía las nuevas directrices del movimiento conocido como Nueva Topografía y abría por primera vez las puertas de galerías y museos por todo el planeta a la fotografía en color de gran formato como medio artístico, acotada hasta entonces para uso comercial.
Composiciones esquisitas con tal calidad y definición que uno puede pasarse horas recorriendo visualmente cada imagen descubriendo nuevos detalles.

Indudablemente, el trabajo de Stephen Shore ha adquirido un componente nostálgico con el paso de los años y ver ahora, 30 años después, esas calles plagadas de coches clásicos americanos es un valor visual añadido, pero incluso en el momento de su aparición, cuando esas imágenes "solo" eran una representación de la América presente, el virtuosismo de sus composiciones, su capacidad de control de luces y sombras, y el rango cromático de cada toma, daban valided a su obra sin la necesidad de la carga extra de melancolía.


Otros siguieron su estela, véase el trabajo de William Eggleston.


Stephen Shore es hoy profesor y director del Departamento de fotografía del Bard College, en el estado de Nueva York.

------------------------------------------------------

Ahora bien, ¿qué hice yo? Pues bien, no es exactamente un diario de viaje, de hecho ni siquiera salí de Barcelona para realizar Desert Paradise, y también no trata sólo de Shore, sino que él fue como una de las muchas gotitas que forman esta serie fotográfica, la cual también está influenciada por el concepto de la ruina, de la soledad, del desgaste personal, del viaje interno, de lo viejo y desolador, del trabajo en b/n...

Este es el texto que acompaña a Desert Paradise, quizás así se entienda mejor:

La soledad. Todos los paseos conducen hasta nosotros mismos, toda meditación posible gira sobre nuestros sentimientos. El paisaje en sí, es una construcción cultural abstracta que sostiene con hilos los restos destrozados de la idea de Paraíso. Paisajes silenciosos por la ausencia del hombre, paisajes que duermen. Normalmente lugares comunes y concurrentes urbanos o salvajes, que se encuentran ahora vacíos, abandonados, libres, muertos, tumbas de historias,refugios de la psique envueltos en misterio. Cuando se habla del concepto de lo sublime desde una perspectiva estética, se evita la presencia del hombre porque el discursos estético empieza después de que los cadáveres hayan sido retirados. El placer de la ruina solitaria o la urbe desierta, viene cuando aceptamos finalmente que tenemos muy poco control sobre el destino de nuestras vidas.

Aquí dejo el enlace donde podreís ver la serie completa:
https://picasaweb.google.com/112459575024909541932/DESERTPARADISE#

Desert Paradise I

Desert Paradise II

Desert Paradise III

Desert Paradise IV



GRIS

No recuerdo ahora con exactitud si era Moholy-Nagy o Itten o Albers el profesor de la escuela Bauhaus que hacía diferenciar a sus alumnos entre 56 tonalidades de color gris.

Siempre hemos oído eso de "o blanco o negro" y ¿qué pasa con el gris? ¿qué pasa con la luz y la tonalidad? ¿El gris es un color, es una ausencia de él, una mezcla de lo neutro entre el blanco y el negro, un equilibrio?

En todo caso, el gris es una opción.

Explotar un formato, en este caso el blanco y negro, jugando con la luz, la tonalidad, el lugar donde se haga la fotografía, la hora a la que se haga, el tiempo que haga cuando ésta sea tomada, los filtros de programas como photoshop...hay millones de posibilidades de estudiar y experimientar con un mismo formato.

De la forma más simple es lo que se ha hecho en el álbum Gray .Un domingo por la mañana, sobre las 10.30h, a contraluz, en mi casa, y editado con photoscape sin mezclar filtros, el gris luce así.

fotografías serie GRAY

Patricia

I WANNA BE LIKE...

I wanna be like Jeff Wall.

Con este ejercicio os animo a que realicéis, recreéis imágenes e historias de vuestros artistas predilectos. Poner en mente una foto de alguno de vuestros artistas e intentar realizarla bajo vuestro punto de vista. También podéis invertir el proceso, es decir, primero hacer fotos y luego buscarle similitud con algún artista. Si realizáis este ejercicio y queréis que colguemos en el blog los resultados para dar a conocer vuestro trabajo, sólo tenéis que enviárnoslo por mail (nuestros mails están en el primer post de todos) y las colgaremos aquí ;)

Recuerdo la primera vez que me hablaron de Jeff Wall, fue en clase de Posmodernidad, la profesora nos enseñó 4 fotos y la clase quedó enamorada.

Mimic. WALL

Wall nació en Vancouer en 1946, a través de sus múltiples trabajos, su fotografía ha ayudado a definir el término fotoconceptualismo. Dicho término es un movimiento artístico que surgió en su ciudad natal durante los '70, que se caracteriza por la mise-en -scène de la obra, es decir, fotografías cuidadas hasta el último detalle en su composición escenográfica. A este movimiento pertenecen artistas como:  Rodney Graham, Ken Lum, Ian Wallace, Stan Douglas, Roy Arden, y Scott McFarland, y por supuesto, Wall.

Jeff W. suele colocar sus fotografias en cajas de luz y a gran formato (2mx2m), idea que le vino de ver un cartel publicitario. Para sus fotografías utiliza a modelos, pero también a actores que sepan representar su pequeña escena. La mayoría de sus fotos suelen ser tensas, críticas, de pasión lantente, y muchas están influenciadas por composiciones de la pintura, artistas como Manet o Hokusai.

Remake Manet. WALL

Remake Hokusai. WALL

Aunque sus temas más tratados están relacionados con diferentes aspectos de la sociedad (véase la foto que le hizo famoso: Mimic. Vancouer, 1982), en este caso vamos a hablar de una foto que hizo en uno de sus viajes a Barcelona.

Morning Cleaning, es una fotografía tomada al Pabellón Alemán del arquitecto Mies Van Der Rohe, que realizó Wall una mañana de lunes a viernes entre las 8.00h y las 8.30h de la mañana. ¿Cómo lo sé? Pues porque yo, sin saberlo, hice una fotografía similar, a la misma hora, el mismo día y en el mismo lugar, con cierta similitud de perspectiva. No es idéntica ni mucho menos, pues él la hizo desde dentro y yo desde fuera, pero en la esencia se parece.

Trabajo en el MNAC, paso por delante de este maravilloso Pabellón tres veces por semana. Sé que le impulsó a Wall a hacer esa foto, o al menos puedo imaginarlo, o al menos fue lo que me impulsó a mi. La soledad. No hay nadie. Son las 8h de la mañana y sólo se oye el canto de los pájaros. Estás tranquilo. El sol te calma. Sigilosamente, caminando te acercas, el hombre de mantenimiento está limpiando la piscina (en mi foto sólo se aprecia la débil, pero presente, silueta del hombre junto a la estatua de la bailarina). Quieres retratarle sin molestar. Te colocas de espaldas a él, enfocas y click! Luego contemplas durante un instante, intentando retener esa paz matutina, y te vuelves a alejar en silencio.

Este fue mi caso. Meses más tarde descubrí gratamente, ojeando un libro suyo en la biblioteca del MACBA, que había mirado desde su mismo punto de vista. Que habíamos tenido un instante ocular. Me fue curioso, si más no, descubrir que empezaba a dar mis primeros pasos haciendo fotografías que ya habían sido realizadas anteriormente por artistas que admiro.

Este fue el resultado:

Mañana de limpieza. Patricia. Barcelona, 2011. Morning Cleaning, WALL. Barcelona, 1999.

 Patricia

ADAM FUSS y la imagen enigmática.

Olvidémonos aquí del mundo de la tecnología digital, ni siquiera de las 35mm vamos a hablar, sino que nos vamos a remontar al siglo XIX y a los primeros pasos de la fotografía, vamos a ver qué imágenes se pueden conseguir, en la era de la imagen digital, con aparatos tan arcaicos como el daguerrotipo y la cámara estenopeica.

Adam Fuss (Londres, 1961), reconocido fotógrafo inglés, nos muestra el resultado de dichas imágenes tomadas con una técnica tan vintage (influenciada por personajes como Fox Talbot (1800-1877) o Mandé Daguerre (1787-1851)). Aunque en sus anteriores trabajos también ha usado elementos como la cámara oscura, reconoce que su proceso predilecto es el fotograma, con el cual experimenta desde 1988, y que consiste en colocar objetos directamente sobre el papel fotosensible y exponerlo a la luz.

Fuss tomó su primera fotografía en 1964 cuando sólo era un niño, y da sus primeras muestras de interés ingresando en el club fotográfico del colegio donde aprende a revelar, para luego trabajar en Sidney con un fotógrafo comercial (Graham McCarter) y ser miembro de la empresa de publicidad Ogilvy and Mather. Viaja por toda América y Europa recogiendo influencias y experiencias. Realiza su primera exposición en 1985 en Nueva York a base de estenopeicas en gran formato a blanco y negro. En el ’88 y con la serie de fotogramas que él titula “Ark” refleja su interés por el agua y la luz. En 1990 conoce a su marchante, Howard Read, quien le pide que haga un retrato de su hija de tres meses, que posteriormente acabará desarrollando la serie “Invoaction” (1992). En el 2000 y como reconocimiento a todos sus trabajos anteriores recibe el Sixteenth Annual Infinity Award for Art del International Center for Photography. Y en el 2009 hace el daguerrotipo del Taj Mahal, de 60 x 96 cm, el mayor que se haya hecho jamás.

Un aura de misterio envuelve sus obras y acuna la dosis de hipnosis que su obra transmite. Sus trabajos, los cuales bastantes (si no todos), podrían catalogarse de abstractos e intensamente magnéticos. Sus fotografías que hablan ese lenguaje de sombras, simplemente no te dejan apartar la mirada. Simbolismo y fotografía experimental.

Fuss, A. Sin título. 1988. Fotograma.

El elemento orgánico tiene aquí mucho que decir; el agua, el círculo, la luz, la oscuridad, el bebé...todo son alusiones, si más no, al ciclo vital de la vida y la muerte, al misterio del más allá que se esconde tras una gran carga poética. Espiritualidad pura y nirvana.

Tras el tiempo que Fuss ejerció como fotógrafo comercial se empapó y cansó de producir imágenes que gritaban: "¡aquí, aquí está, míralo!" para una sociedad de consumo en masa, y eso le hizo en parte, como buen heredero del Romanticismo inglés, volver a ese misticismo y a ese juego de entrever que radica en la magia de lo invisible a nuestros ojos pero tangible en el mundo sensible, aquello que aún mirándolo no llegamos a comprender del todo.

Todos los adolescentes (a los que papá y mamá les han comprado una Nikon o Canon y se creen fotógrafos de alto "standing") deberían aprender que la belleza sin más aun existe mucho más allá que el retoque del photoshop y el producto software, y es que el mundo sigue siendo analógicamente maravilloso.

                                               

Fuss, A. Invocation. 1992.Fotograma. Cibachrome.

Personalmente, rizando el rizo y enlazando con otros asuntos, buscando conexiones artísticas, no he podido evitar la comparación de la obra de este artista, en trabajos como “Invocation”,  con la estética del videoclip de la canción Come as you are del grupo de los reyes del grunge de los ’90, Nirvana. En concreto, toda la esencia del agua, la vida, los fluidos, los elementos orgánicos, e incluso los bebés aparecen de forma similar en el vídeo. Además las fechas coinciden, ambos trabajos fueron realizados entre el ’88 y el ‘92. La conexión se establece como mera casualidad o curiosidad y simple comparación estética en una cierta imagen lírica, en un mensaje de (como he comentado anteriormente) espiritualidad y, valga la redundancia, “nirvana”.

Hasta el  17 de abril puede visitarse en la Fundación Mapfre de Madrid la primera exposición retrospectiva hecha a este artista en nuestro país. Dicha exposición está comisariada por Cheryl Brutvan, conservadora de arte contemporáneo, y engloba cincuenta obras que datan desde 1986 hasta la actualidad, seleccionadas de sus series “Love” (1992-1993), “My gosth” (2000), y “Home & the World” (2010). Además, el catálogo de esta retrospectiva será la primera publicación en lengua española sobre el artista, con textos de la comisaria Brutyan y Chrsitopher Bucklow, en él se incluirá también un glosario de las técnicas que utiliza Fuss que correrá a cargo de Celia Martínez Cabetas, y por supuesto una biografía y extensa bibliografía redactadas por William Stover. Con este propósito se pretende acercar profundamente al artista y su obra al público español.

“…Cuando las vidas que creíamos nuestras desaparecen sin dejar rastro, el entendimiento se abre camino en sentido retrospectivo, por pasillos de tristeza y confusión que nos llevan a sitios donde quizá nunca quisimos estar, pero de los que ahora tenemos que tomar posesión”.  Adam Fuss.

Fuss, A. Arca. 2004. Fotograma

Patricia

CLUB FOTOGRÁFICO 76 JAVIER RIVERA

OPORTUNIDAD: concurso de fotografía cien por cien libre. Libre de temática, libre de edad, y libre de técnica. El Concurso Nacional de Fotografía ‘Libre Expresión’.

En este certamen podrá participar cualquier persona que lo desee, con cualquier técnica fotográfica (Blanco y Negro, color, mixto…). El tamaño de la imagen es libre y deberá estar enmarcada en una cartulina de 40×50. Puedes presentar hasta un  máximo de 3 colecciones compuestas de 3 a 5 fotografías cada una.

Al dorso de cada obra, en la esquina inferior derecha, deberá figurar: título de la obra, orden dentro de la colección, nombre y apellidos del autor/a, NIF, dirección, teléfono de contacto y correo electrónico si se dispone.

Deberás enviar tus obras a la dirección que te indicamos:

Club Fotográfico 76 “Juan Rivera “. Apdo. de correos 221. 11510 Puerto Real. Cádiz. Por mensajería a: Artemis Manga. Avda. J. López Fdez. 75, local 6, Casines. 11510 Puerto Real. Cádiz. Personalmente en: Club Fotográfico 76 “Juan Rivera”. C/ San Alejandro, 2-1ª Planta, local 3; lunes, miércoles y viernes de 18:30 a 21:00 horas.

Tenéis hasta el día 6 de mayo de 2011 a las 21:00 horas. ¡Hay en juego 1.400 euros en premios!
Premio de Honor: 700 € más placa acreditativa.
Segundo Premio: 400€ más placa acreditativa.
Tercer premio: 300€ más placa acreditativa.

Todas las fotografías premiadas quedarán en propiedad del Club fotográfico 76 “Juan Rivera” pudiendo ser utilizadas por dicho club, haciendo constar siempre el autor de las mismas.

Patricia

PERIGEO

Si hoy había una única cosa en el universo que se merecía una foto era la luna.

Tomadas a las 20:45 horas, en Barcelona, con una cámara híbrida: OLYMPUS SP-570UZ.
Manual: f/4,5. 1/320. iso 100 distancia focal: 92mm

Patricia.

LA FOTO Y LA NO FOTO.

Este es un ejercicio práctico de desarrollo artístico personal. 
Aunque se usa la fotografía como medio poco tiene que ver con técnicas fotográficas o algo similar, sin embargo, ayuda a desarrollar un carácter para ejercicios y familiaridades con uno mismo que luego se pueden utilizar en la fotografía. Tiene un aire muy personal. No es algo técnico, sino el alma del artista fotógrafo.

El ejercicio es el siguiente:

Habrá que elegir dos fotografías, (si la hemos realizado nosotros mejor pero si no, no pasa nada).

Una de ellas será la fotografía que más nos guste, una que tenga un significado especial o que haya algo de ella de la que nos sintamos orgullosos, o que aparezca la persona indicada...etc. Esta fotografía se colgará en un lugar visible y será un punto de apoyo en futuros proyectos fotográficos. Usarás esa foto para abrir tu mente desde muchos puntos de vista. Esta será LA FOTOGRAFÍA.

La otra a escoger será una fotografía que no nos guste en absoluto, que esté técnicamente mal hecha (sobre expuesta, desenfocada, recortada...) o que nos resulte incómoda, que aparezcan personas a las que no queremos ver, que sea triste, etc. Esta fotografía se llevará encima durante un tiempo, ya sea en el bolso, en la cartera, o dentro de un zapato, no importa. Con el tiempo la fotografía cambiará, se irá deformando, puede que se arrugue o que incluso se rompa, se nos irá haciendo familiar y al final acabará por ser una fotografía distinta, una que nos acabará gustando y a partir de la cual podremos incluso crear, la miraremos bajo un nuevo punto de vista. La superaremos. Esta será LA NO FOTOGRAFÍA.

El ejercicio finalizará cuando creamos conveniente o pensemos que las fotografías ya no pueden dar más de sí.
Este ejercicio acabará pareciendo una performance fotográfica. Un ejercicio personal en el que utilizamos cuerpo, mente y foto.

Patricia  se encuentra en realización de este ejercicio y nos explica su caso.

LA FOTOGRAFÍA: es una foto que me tomaron mis padres en una excursión al templo de Montserrat de Catalunya. Ellos me ubicaron en el centro del orbe como elemento más importante de sus vidas, de su mundo, y me dejaron allí sola, como lanzándome al mundo, a la vida, a mi futuro, como creando expectativas. El hecho de que no salga nadie más en la fotografía (bien podrían haber salido los pies de algún turista, cosa que hubiera estropeado la foto por completo) recalca el hecho de yo sola frente al universo. Creo que tiene mucha fuerza y mucha fe por parte de mis padres, y mucha inocencia por parte mía, y por supuesto está hecha con mucho amor.Puede que esté mal encuadrada, o quizá el objetivo no daba más de sí, no sé. Igualmente soy yo frente al mundo.

LA NO FOTOGRAFÍA: es una foto hecha por mí misma pero está mal enfocada, mal encuadrada, tiene mucha luz (lo que hace que no se vea prácticamente nada) y además es una fotografía de un pasado que ya no existe. Una relación que terminó y que no está del todo sanada. Son dos fantasmas los que aparecen en ella, identidades, futuro, que no existe, pasado irrecuperable. Todo con una intensidad que parece una bomba a punto de estallar y desvanecerse, algo efímero calcado de manera eterna. Me resulta incomoda llevarla en el bolso, pues es una persona que aun quiero mucho, pero también estoy interesada en ver como la imagen va evolucionando y deformándose hasta el punto de no importarme y superarlo.

LA FOTOGRAFÍA. Patricia. c.1992. Templo de Montserrat, Catalunya

LA NO FOTOGRAFÍA. Dos amantes.c. 2008. Barcelona